Día 33 - End Credits (Mouse Hunt) por Alan Silvestri

Turno para un divertimento. Un ratoncito duro de roer (Mouse hunt) es una película del año 1997 protagonizada por los cómicos Lee Evans y Nathan Lane que significó el debú en la dirección del realizador Gore Verbinski que, posteriormente, se encargaría de la saga de Piratas del Caribe.

La película es una agradable mezcla de las películas de Laurel y Hardy pasado por el tamiz de los dibujos de Tom y Jerry con momentos muy divertidos y un gran diseño de producción. Para redondear el film el director norteamericano contó con la ayuda del conocido compositor Alan Silvestri.

Alan Silvestri es un compositor norteamericano que alcanzó el reconocimiento muy pronto en su carrera en su segunda colaboración con el director Robert Zemeckis en la conocidísima Regreso al futuro, para la que creó uno de los temas más recordados de la historia del cine. Desde entonces ha colaborado en todas las películas del Zemeckis y se ha convertido en uno de los compositores de referencia del cine de acción. Sin ir más lejos es el compositor elegido para musicar las películas de El capitán América y Los Vengadores.

Su partitura para Mouse Hunt es divertida, desenfadada, frenética pero con momentos tiernos y delicados. Esta suite recoge los diferentes temas de la película envueltos por el tema principal, una marcha divertida interpretada por el oboe con las cuerdas punteando de acompañamiento. Una especie de marcha bufa muy divertida y que siempre me despierta una sonrisa.

Aquí la tenéis.

Día 32 - Obertura (La flauta mágica) por W. A. Mozart

Mis recuerdos de esta pieza se remontan al año 1991 cuando en pleno año Mozart, pues se cumplían 200 años de su fallecimiento, mis padres me regalaron este recopilatorio Mozartmanía. Los puristas de la música clásica suele renegar y, con razón en general, de este tipo de recopilatorios pero no hay que negarles un gran valor como introducción a la música que representan.

En dicho recopilatorio, uno de los temás que más me gustó fue sin duda la   Obertura de la ópera La flauta mágica. Con el paso de los años, a medida que he ido madurando he profundizado mucho más en la obra del compositor austríaco y hoy en día me parece un error escuchar por ejemplo un movimiento de una sinfonía fuera del conjunto, pero sigo viendo que para niños/adolescentes o adultos que no están muy metidos en el mundo de la música clásica, este tipo de recopilatorios pueden tener una gran utilidad para ayudarles a descubrir este fantástico mundo.

No soy un gran fan de la ópera, tienden a parecerme, en general, demasiado largas aun así considero imprescindible la escucha completa de varias de ellas para conocerlas mejor. Y el ejemplo que tenemos aquí de Mozart es un buen comienzo pues es una obra alegre y divertidas, con algunas de las escenas más reconocidas de la historia de la ópera. Otros compositores válidos para una primera aproximación serían los italianos Verdi o Rossini o el francés Bizet con su monumental Carmen. A Wagner o Britten, habría que dejarlos para un poco más adelante.

Aparte de dejaros la ópera completa, añado la película completa que realizó Kenneth Branagh de la ópera, eso sí en inglés con un libreto bastante libre de Stephen Fry. Como curiosidad está película fue financiada por una asociación sin ánimo de lucro cuyo objetivo es la difusión la ópera al máximo nivel posible. Es una lectura fresca y desenfadada con grandes aciertos y errores (el aria de la reina de la luna....) que creo vale mucho la pena ver.

Día 31 - Chevaliers de Sangreal(The Da Vinci code) por Hans Zimmer

Hans Zimmer es, sin duda, el compositor cinematográfico de más éxito en la actualidad siendo, además el gran renovador del género desde principios de los noventa. Con un modo de trabajar muy especial que lo aproxima más a la figura de un productor musical en el mundo del pop/rock que a la de un compositor en el sentido estricto. De hecho, en sus parituras siempre aparecen acreditados varios co-compositores y una pléyade de orquestadores, siendo por tanto la labor del propio Zimmer un tanto difusa, más amalgama y líder de equipo que creador. De hecho, por ejemplo, para la segunda entrega de Sherlock Holmes se sabe que compuso una suite de veinte minutos con las principales ideas de la película y se la pasó a los compositores que se encargarían de desarrollarlas y aplicarlas a las imágenes.

Su música resulta muy efectiva junto con las imágenes y su simplicidad, que no sencillez, hace que su trabajo sea muy imitado. Su labor para la saga de Piratas del Caribe y su complicidad de con Christopher Nolan le ha asegurado un público fiel que espera con ansia cada obra suya. Una música que integra elementos sintetizados con la orquesta, como ya vimos en el ejemplo de John Powell, uno de sus discípulos.

Últimamente, sobre todo en su trabajo con Nolan, su trabajo se asemeja más al de un editor sonoro que al de un músico, quedando las fronteras muy difuminadas al unificar el universo sonora de la película integrando su composición con los efectos sonoros.

Con el paso de los años Zimmer se ha hecho un especialista en un tipo de tema cuya estructura es siempre similar. Sobre una base de cuerdas en staccato desarrolla un breve melodía que va pasando por las diferentes secciones de la orquesta, ganando siempre en intensidad sin modificar en ningún momento la melodía y siempre con el ritmo de las cuerdas en staccato por debajo. Una suerte de bolero de Ravel, aunque mucho más simple. El resultado crea, a mi modo de ver, de modo inconsciente en el oyente una cierta ansiedad por la repetición que hace que la llegada del final de la pieza resulte una liberación.

Lleva experimentando con la idea muchos años, siendo para mí esta pieza Chevaliers de Sangreal su ejemplo más depurado, corresponde con el final de la película El código Da Vinci, cuando Robert Langdon vuelve al Louvre y el espectador lo acompaña en su descubrimiento en un escena sin diálogos, que resulta muy efectiva gracias a la música de Zimmer. Pues bien, si uno se fija en la saga de Batman o, por ejemplo, en Origen, obras también suyas, podemos observar que la estructura de las piezas que narran el final de las películas es idéntica. Se repite lo básico aunque pueda haber cambios en la orquestación.

No soy un gran fan de Zimmer, aun así encuentro algunos de sus trabajos muy estimables y, aunque me pese, he de reconocer su gran importancia en la música actual, en la que ha cogido el relevo de los grandes maestros de los setenta y ochenta como John Williams o Jerry Goldsmith para marcar su propia senda. Si para bien o para mal, eso ya es otro tema.

Os dejo con varios temas que ejemplifican esta estructura, en su totalidad o en parte del tema.

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Día 30 - Italia (The talented Mr. Ripley) por Gabriel Yared

La presente es una pieza muy breve pero su capacidad de evocación me parece infinita. Compuesta por el compositor libanés Gabriel Yared en su segunda colaboración con el director británico Anthony Minguella, El talento de Mr Ripley sigue siendo mi banda sonora favorita del música; siendo para mí superior incluso a su celebrada El paciente inglés.

En esta nueva adaptación de la obra homónima de Patricia Highsmith, el jazz tiene muchísima importancia, pues es la música que mueve y motiva a los protagonistas, que incluso se atreven a cantar un par de canciones. La música de Yared, sin embargo, no recurre a este estilo, se mantiene mucho más clásica en busca de un claro contraste, pues la música compuesta por el música libanés atiende más a la psicología de los personajes que a la acción en si. De hecho, ya la primera pieza que suena en el film Lullaby for Cain (interpretada de manera diegética en el film por una soprano, pero por Sinêad O'Connor en la edición discográfica) ya apunta a que la música va a hablarnos de Tom Ripley.

El corte Italia, que es el que os presento se escucha cuando el personaje interpretado por Matt Damon llega a Italia, en busca de Dickie Greenleaf (Jude Law) a quien su padre ha mandado encontrar para reencarrilar su vida de excesos. La orquestación de la pieza es muy delicada un arpa, un clarinete, un acordeón, acompañados por la sección de cuerdas de la orquesta. Como he indicado es una pieza muy breve, pero evoca perfectamente lo que quiere representar la feliz Italia de los años cincuenta.

Cerrad los ojos, soñad, dejaos arrastrar por el encanto de esta música exquisita.

Día 29 - Have you ever really loved a woman?(Don Juan de Marco) por Michael Kamen y Bryan Adams

Michael Kamen fue uno de los músicos cinematográficos surgidos en los ochenta más populares. Ligado desde los comienzos de su carrera a la música pop/rock como arreglista, desarrolló posteriormente una larga   carrera como compositor de bandas sonoras que, lamentablemente, se vio truncada por su prematura muerte en el año 2003 cuando contaba 55 años.

Más adelante pondré algún tema instrumental del compositor neoyorquino, pero hoy me he querido centrar en faceta como arreglista y cocompositor de canciones. Su lista de colaboraciones es sencillamente impresionante: Pink Floyd, Queen (los arreglos orquestales del Who wants to be forever son suyos y, de hecho, aparece él mismo dirigiendo la orquesta en el videoclip), Eric Clapton, Aerosmith, The Cranberries, Bryan Adams (probablemente su más frecuente colaborador), Herbie Hancock, Colplay, Bon Jovi, Sting o Metallica, en S&M el directo de la banda acompañada por la orquesta sinfónica de San Francisco dirigida por el propio Kamen.

Como dice mi mujer, este hombre sabía escribir canciones. Como muestra dejo algunos de sue temas en la lista para complementar a la canción del día.

La colaboración cinematográfica entre Bryan Adams y Michael Kamen, comenzó con la banda sonora de Robin Hood príncipe de los ladrones, para la que ambos escribireon Eveything I do que se convirtió en un gran éxito, allanando el terreno para otras colaboraciones. Dos años después escribirían otro tema que también tuvo mucha repercusión para ese engendro de película que era Los tres mosqueteros del año 1993,donde lo único reseñable era la música del propio Kamen y la canción All for love, interpretada por Adams, Sting y Rod Stewart. Hubieron de pasar otros dos años hasta su siguiente colaboración para el cine, la canción que nos ocupa, Have you ever really loved a woman?, para la banda sonora Don Juan de Marco en la que también colaboraría el españo Paco de Lucía a la guitarra.

Es una balada vital, divertida que transmite alegría y con aire desenfadado. Provista de una melodía pegadiza pero no simple, fácilmente tarareable que la hace muy retentiva. Kamen era un gran creador de melodías y esta partitura y por extensión la canción es una buena muestra de ello.

Poco más que añadir, salvo el recuerdo de ser uno de los primeros compositores que he conocido en persona. Hace muchos años, cuando en la Mostra de Cinema del Mediterrani aún se celebraba el congreso de música de cine, Michael Kamen fue el principal invitado y se demostró una persona cercana con quien se podía tener una charla sobre su música y que además ofreció un espectacular concierto dirigiendo a la Orquesta de Valencia en el Palau de la Música de Valencia, donde ofreció un repaso de toda su obra que aún hoy en día y habrán pasado unos quince años, sigue siendo uno de los mejores conciertos de mi vida.

Día 28 - Sumertime (Porgy and Bess) por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong

Porgy and Bess es una ópera compuesta por George Gershwin, con letra de su hermano Ira Gershwin. Fue muy novedosa en su época por introducir en el mundo de la ópera componentes musicales provenientes del jazz y de la música folk norteamericana. A pesar de ser considerada por el propio compositor como su mejor obra y contener una de las arias más populares de todo el repertorio es escasamente representada.

Y, sin embargo, es muy popular. Esto es debido a la infinidad de versiones jazzísticas que existen del aria principal (Summertime). No sólo eso, hay adaptaciones de la ópera completa, eliminando, por supuesto, muchas piezas que conforman discos esenciales de la historia del jazz. Éste es uno de ellos pero otros, como el de Miles Davis, también son muy recomendables. Es uno de esos casos donde la versión es más popular que la obra original. Y es que Porgy and Bess, al menos para mí, funciona mejor en las voces de cantantes de jazz que en la de cantantes de ópera, quizás sea porque la ópera siempre ha sido la música de las élites y el jazz la de los pobres y el refinamiento de la primera no acaba de cuajar con la libertad y deshinibición de la segunda.

Según se puede leer en la carpetilla del magnífico CD editado por Verve, en 1957 se decidió hacer una grabación de los fragmentos más conocidos de la ópera adaptados para banda de jazz y únicamente dos cantantes, dos leyendas de la música Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. El músico elegido para hacer la adaptación y los arreglos fue Russell Garcia, un compositor afincado en Hollywood, donde había compuesto la música para películas como El tiempo en sus manos, la primera adaptación de la obra de H.G. Wells La máquina del tiempo. Tras una obertura que recoge los temas más recordados de la partitura, el disco continúa con Summertime, la canción de hoy.

Estamos en Charleston, Carolina del Sur, una noche de calor sofocante y Clara intenta dormir a su bebé cantándole una nana. La adaptación prodigiosa de Garcia nos transmite lo pegajoso del calor en esa zona, con unas cuerdas arrastradas y la trompeta que nos remite directamente al sur de los Estados Unidos. Y entonces comienza a cantar ella, la legendaria Ella Fitzgerald imprimiendo toda la sensualidad del mundo y todo el cariño a la vez a su interpretación. La segunda estrofa la coge la voz ronca, rota de Louis Armstrong,  y una nana se convierte en un dueto de un matrimonio cantando a su hijo en una noche de sofocante calor.

Pero dejo de escribir que lo importante es la música, y esta canción es para escucharla una y mil veces.

Summertime and the livin' is easy

Fish are jumpin' and the cotton is high

Oh your daddy's rich and your ma is good lookin'

So hush little baby, don't you cry

One of these mornings

You're goin' to rise up singing

Then you'll spread your wings

And you'll take the sky

But till that morning

There's a nothin' can harm you

With daddy and mammy standin' by

Día 27 - Hellfire (The hunchback of Notre Dame) por Alan Menken

La presente canción es sin duda la canción más extrema y adulta jamás escrita para una película de animación de la factoría Disney. Escrita por Alan Menken, en gran parte artífice junto a Howard Ashman del resurgir del estudio a principio de los noventa tras el éxito de La sirenita y de La bella y la bestia. Tras varios éxitos incontestables a nivel económico y artístico, El jorobado de Notre Dame fue la película que supuso el punto de inflexión en esta tendencia, una película muy estimable pero con tantos aciertos como errores, poseedora de algunas de las secuencias más intensas de toda la filmografía del estudio, contrarrestadas con considerables apuntes cómicos para hacer la propuesta más adecuada a los niños. Así, la película es un monstruo bicéfalo que en pos de intentar enganchar a todas las edades se queda en tierra de nadie y supuso una decepción a nivel económico y un conjunto de críticas no excesivamente positivas.

La música compuesta por Alan Menken es la más madura y grandiosa del compositor hasta ese momento. Si bien en las canciones también obtenemos esta bicefalia antes comentada, la partitura incedental no hace concesiones. Una composición para gran orquesta y coro con temas de acción muy elaborados y momentos absolutamente épicos como ese prólogo magistral titulado The bells of Notre Dame.

De este díptico Heaven´s light/Hellfire, me quedo con la segunda parte que es la más interesante sin duda, si no tenéis paciencia avanzad hasta el minuto uno con cuarenta. segundos. Nos adentramos dentro de los muros de la imponente catedral mientras el coro entona el yo confieso en latín para posteriormente dar paso a los aposentos del juez Frollo que intentando la expiación de sus pecados mediante confesión a la virgen María por los pensamientos impuros que siente hacia la gitana esmeralda. La conjunción del yo confieso (ese Mea culpa, mea maxima culpa) con la propia letra de la canción(con  frases como Este ardiente deseo me está llevando al pecado o Sé mía o arderás), la dotan de una fuerza y una gravedad inusitadas para un tema perteneciente a una película infantil. Si a ello le añadimos la opresiva partitura del compositor y la agresividad en los coros, logramos este gran tema, que si bien nunca aparecerá en un grandes éxitos del estudio sí tiene una enorme calidad y no debería pasar nunca desapercibido.

Priests:

Confiteor Deo Omnipotenti (I confess to God almighty)

Beatae Mariae semper Virgini (To blessed Mary ever Virgin)

Beato Michaeli archangelo (To the blessed archangel Michael)

Sanctis apostolis omnibus sanctis (To the holy apostles, to all the saints)

Frollo:

Beata Maria

You know I am a righteous man

Of my virtue I am justly proud

Priests:

Et tibit Pater (And to you, Father)

Frollo:

Beata Maria

You know I'm so much purer than

The common, vulgar, weak, licentious crowd

Priests:

Quia peccavi nimis (That I have sinned)

Frollo:

Then tell me, Maria

Why I see her dancing there

Why her smold'ring eyes still scorch my soul

Priests:

Cogitatione (In thought)

Frollo:

I feel her, I see her

The sun caught in raven hair

Is blazing in me out of all control

Priests:

Verbo et opere (In word and deed)

Frollo:

Like fire

Hellfire

This fire in my skin

This burning

Desire

Is turning me to sin

It's not my fault

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

I'm not to blame

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

It is the gypsy girl

The witch who sent this flame

Priests:

Mea maxima culpa (Through my most griveous fault)

Frollo:

It's not my fault

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

If in God's plan

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

He made the devil so much

Stronger than a man

Priests:

Mea maxima culpa (Through my most griveous fault)

Frollo:

Protect me, Maria

Don't let this siren cast her spell

Don't let her fire sear my flesh and bone

Destroy Esmeralda

And let her taste the fires of hell

Or else let her be mine and mine alone

Guard:

Minister Frollo, the gypsy has escaped

Frollo:

What?

Guard:

No longer in the cathedral. She's gone

Frollo:

But how? Never mind. Get out, you idiot

I'll find her. I'll find her if I have to burn down all of Paris

Hellfire

Dark fire

Now gypsy, it's your turn

Choose me or

Your pyre

Be mine or you will burn

Priests:

Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:

God have mercy on her

Priests:

Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:

God have mercy on me

Priests:

Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:

But she will be mine

Or she will burn!

De postre os dejo la escena de la película, atención a la sensualidad de la figura de Esmeralda que surge del fuego o los gestos de Frollo entorno al pañuelo que tiene de la joven gitana.