Día 39 - Main Title (Ladyhawke) por Andrew Powell

Si me preguntaran qué es un placer culpable, señalaría sin dudarlo a esta banda sonora. Como acompañamiento de las imágenes directamente, salvo momentos puntuales como el tema de amor, me parece una atrocidad. La hoy un tanto olvidada película del gran Richard Donner, iba a tener inicialmente una partitura de Jerry Goldsmith, quien habría logrado probablemente un gran trabajo, teniendo en cuenta su estado de forma en aquella época y el material de partida. Lamentablemente, los productores decidieron que, para hacer el producto más comercial, sería mejor contratar contar con una música más actual, más del gusto de la época. Una decisión que daña irremediablemente el film visto desde una perspectiva actual. Por aquel entonces los espectadores estaban viendo una historia medieval acompañada de música actual, para el espectador de hoy, sin embargo, el efecto es definitivamente extraño, y al menos para mí dañino, al contemplar un cuento de fantasía de una época lejana e inconcreta acompañado de una música ochentera que no le hace ningún bien.
A pesar del cambio en la banda sonora, la película fue una decepción en taquilla, compartiendo resultados con otro film que pasó por un proceso similar: Legend de Ridley Scott, con música de Tangerine Dream en su versión americana, mientras que los europeos pudimos disfrutar de un gran trabajo de Jerry Goldsmith.
La música compuesta por Andrew Powell para Lady Halcón, mezcla una orquesta sinfónica tradicional con instrumentos como la guitarra eléctrica y ritmos y bases electrónicas. Powell había colaborado con el ingeniero de sonido Alan Parsons en The Alan Parsons Project y juntos se encargaron de la banda sonora del film de Donner. El resultado es tremendamente irregular, con grandes momentos como el tema de amor que se integra perfectamente en las imágenes y las potencia y con otros, lamentablemente más numerosos, donde música e imagen no se integran, las persecuciones y temas de acción en particular, donde aparece el tema principal de la película, que es el que precisamente se escucha en estos títulos de créditos.
Aun así, fuera de las imágenes, siempre me trae una sonrisa, y lo considero un auténtico placer culpable, sé que no es bueno, sé que no es gran cosas, pero no puedo dejar de escucharlo de vez en cuando.

Día 37 - Mina /Dracula (Bram Stoker's Dracula) por Wojciech Kilar

La banda sonora de

Drácula de Francis Ford Coppola supuso la irrupción en Hollywood del compositor polaco Wojciech Kilar. Poseedor de una extensa obra tanto para el cine como para salas de concierto, su obra apenas era conocida fuera de su país o de ciertos círculos especializados. 

La música que creo para la particular versión del personaje que realizó Coppola supuso un soplo de aire fresco en el panorama cinematográfico del ya lejano año 1993.De fuerte personalidad, con predominio de tonalidades graves, siempre oscura, el compositor polaco nos regaló una obra maestra. 

Tres temas destacan en edición discográfica: el prólogo, que supone una perfecta introducción a lo que nos espera en el resto de  obra, con esos cellos en sus registros más graves y unas aterradores voces; Vampire Hunter  probablemente el tema más conocido e imitado de la partitura, una pieza marcial que acompaña la cruzada de Van Helsing y sus colaboradores contra los vampiros; Mina/Dracula supone el tema de amor. Tan trágica como sensual, esta pieza acompaña el encuentro sexual entre Mina Harker y el conde. El tema, articulado como un crescendo continuo hasta alcanzar el clímax de la relación, empieza delicadamente con un oboe al que se incorpora una voz femenina que van desgranando la melodía principal mientras va ganando en intensidad con la incorporación de más secciones de la orquesta. 

Un tema lleno de sensualidad, de un compositor genial, al que volveremos más adelante con alguna pieza de su obra para salas de concierto. 

Día 35 - The Book Thief (The Book Thief) por John Williams

El Williams más íntimo y delicado está presente a lo largo de este, su último hasta el momento, trabajo para el cine. 

Dentro de la obra del compositor norteamericano, habría que encuadrarla en el grupo de Las cenizas de Ángela o Memorias de una Geisha, partituras también correspondientes a adaptaciones de novelas de éxito. Además comparte con ambas el detalle de que el propio compositor persiguió el poder musicar la adaptación al cine, algo poco habitual. De hecho, tras su recomendación de Memorias de una Geisha a Spielberg, éste compró los derechos con objetivo de dirigirla, aunque finalmente sólo acabó produciéndola.

El tema que destaco, resume a modo de suite los diferente temas de la partitura. Un piano, quizás la muerte como narradora, nos introduce una evocadora melodía que pasa a adoptar las secciones de cuerda y madera de la orquesta que evoluciona mientras va desgranando el resto de temas de la banda sonora, volviendo en los últimos compases al tema a piano que abre la pieza y, que por su ubicación a lo largo de la partitura, yo he identificado con la muerte (narradora del libro, para aquellos que no lo conozcan).

En conjunto The Book Thief es una obra pequeña, delicada, sencilla que no simple. No encontraremos en ella momentos grandilocuentes, ni aparatosos, abundando los solos de piano, oboe o arpa. Es una partitura ideal para escuchar en un tarde de otoñal, con la lluvia golpeando la ventana. Espero que la disfrutéis.

Día 34 -Everybody's gotta learn sometimes (Eternal sunshine of the spoless mind) por Beck

Tras el Espantoso título en castellano de ¡Olvídate de mí! se esconde la que es para mí una de las mejores películas de los últimos años y, sin duda,  mi favorita.

La adecuadísima partitura compuesta por Jon Brion se complementa a la perfección con una ecléctica selección de canciones entre las que destaca esta versión realizada por Beck de la canción homónima de la banda The Korgis, en una de esas ocasiones cuando  versión es superior a la original. 

Día 33 - End Credits (Mouse Hunt) por Alan Silvestri

Turno para un divertimento. Un ratoncito duro de roer (Mouse hunt) es una película del año 1997 protagonizada por los cómicos Lee Evans y Nathan Lane que significó el debú en la dirección del realizador Gore Verbinski que, posteriormente, se encargaría de la saga de Piratas del Caribe.

La película es una agradable mezcla de las películas de Laurel y Hardy pasado por el tamiz de los dibujos de Tom y Jerry con momentos muy divertidos y un gran diseño de producción. Para redondear el film el director norteamericano contó con la ayuda del conocido compositor Alan Silvestri.

Alan Silvestri es un compositor norteamericano que alcanzó el reconocimiento muy pronto en su carrera en su segunda colaboración con el director Robert Zemeckis en la conocidísima Regreso al futuro, para la que creó uno de los temas más recordados de la historia del cine. Desde entonces ha colaborado en todas las películas del Zemeckis y se ha convertido en uno de los compositores de referencia del cine de acción. Sin ir más lejos es el compositor elegido para musicar las películas de El capitán América y Los Vengadores.

Su partitura para Mouse Hunt es divertida, desenfadada, frenética pero con momentos tiernos y delicados. Esta suite recoge los diferentes temas de la película envueltos por el tema principal, una marcha divertida interpretada por el oboe con las cuerdas punteando de acompañamiento. Una especie de marcha bufa muy divertida y que siempre me despierta una sonrisa.

Aquí la tenéis.

Día 31 - Chevaliers de Sangreal(The Da Vinci code) por Hans Zimmer

Hans Zimmer es, sin duda, el compositor cinematográfico de más éxito en la actualidad siendo, además el gran renovador del género desde principios de los noventa. Con un modo de trabajar muy especial que lo aproxima más a la figura de un productor musical en el mundo del pop/rock que a la de un compositor en el sentido estricto. De hecho, en sus parituras siempre aparecen acreditados varios co-compositores y una pléyade de orquestadores, siendo por tanto la labor del propio Zimmer un tanto difusa, más amalgama y líder de equipo que creador. De hecho, por ejemplo, para la segunda entrega de Sherlock Holmes se sabe que compuso una suite de veinte minutos con las principales ideas de la película y se la pasó a los compositores que se encargarían de desarrollarlas y aplicarlas a las imágenes.

Su música resulta muy efectiva junto con las imágenes y su simplicidad, que no sencillez, hace que su trabajo sea muy imitado. Su labor para la saga de Piratas del Caribe y su complicidad de con Christopher Nolan le ha asegurado un público fiel que espera con ansia cada obra suya. Una música que integra elementos sintetizados con la orquesta, como ya vimos en el ejemplo de John Powell, uno de sus discípulos.

Últimamente, sobre todo en su trabajo con Nolan, su trabajo se asemeja más al de un editor sonoro que al de un músico, quedando las fronteras muy difuminadas al unificar el universo sonora de la película integrando su composición con los efectos sonoros.

Con el paso de los años Zimmer se ha hecho un especialista en un tipo de tema cuya estructura es siempre similar. Sobre una base de cuerdas en staccato desarrolla un breve melodía que va pasando por las diferentes secciones de la orquesta, ganando siempre en intensidad sin modificar en ningún momento la melodía y siempre con el ritmo de las cuerdas en staccato por debajo. Una suerte de bolero de Ravel, aunque mucho más simple. El resultado crea, a mi modo de ver, de modo inconsciente en el oyente una cierta ansiedad por la repetición que hace que la llegada del final de la pieza resulte una liberación.

Lleva experimentando con la idea muchos años, siendo para mí esta pieza Chevaliers de Sangreal su ejemplo más depurado, corresponde con el final de la película El código Da Vinci, cuando Robert Langdon vuelve al Louvre y el espectador lo acompaña en su descubrimiento en un escena sin diálogos, que resulta muy efectiva gracias a la música de Zimmer. Pues bien, si uno se fija en la saga de Batman o, por ejemplo, en Origen, obras también suyas, podemos observar que la estructura de las piezas que narran el final de las películas es idéntica. Se repite lo básico aunque pueda haber cambios en la orquestación.

No soy un gran fan de Zimmer, aun así encuentro algunos de sus trabajos muy estimables y, aunque me pese, he de reconocer su gran importancia en la música actual, en la que ha cogido el relevo de los grandes maestros de los setenta y ochenta como John Williams o Jerry Goldsmith para marcar su propia senda. Si para bien o para mal, eso ya es otro tema.

Os dejo con varios temas que ejemplifican esta estructura, en su totalidad o en parte del tema.

Ha

Día 30 - Italia (The talented Mr. Ripley) por Gabriel Yared

La presente es una pieza muy breve pero su capacidad de evocación me parece infinita. Compuesta por el compositor libanés Gabriel Yared en su segunda colaboración con el director británico Anthony Minguella, El talento de Mr Ripley sigue siendo mi banda sonora favorita del música; siendo para mí superior incluso a su celebrada El paciente inglés.

En esta nueva adaptación de la obra homónima de Patricia Highsmith, el jazz tiene muchísima importancia, pues es la música que mueve y motiva a los protagonistas, que incluso se atreven a cantar un par de canciones. La música de Yared, sin embargo, no recurre a este estilo, se mantiene mucho más clásica en busca de un claro contraste, pues la música compuesta por el música libanés atiende más a la psicología de los personajes que a la acción en si. De hecho, ya la primera pieza que suena en el film Lullaby for Cain (interpretada de manera diegética en el film por una soprano, pero por Sinêad O'Connor en la edición discográfica) ya apunta a que la música va a hablarnos de Tom Ripley.

El corte Italia, que es el que os presento se escucha cuando el personaje interpretado por Matt Damon llega a Italia, en busca de Dickie Greenleaf (Jude Law) a quien su padre ha mandado encontrar para reencarrilar su vida de excesos. La orquestación de la pieza es muy delicada un arpa, un clarinete, un acordeón, acompañados por la sección de cuerdas de la orquesta. Como he indicado es una pieza muy breve, pero evoca perfectamente lo que quiere representar la feliz Italia de los años cincuenta.

Cerrad los ojos, soñad, dejaos arrastrar por el encanto de esta música exquisita.

Día 29 - Have you ever really loved a woman?(Don Juan de Marco) por Michael Kamen y Bryan Adams

Michael Kamen fue uno de los músicos cinematográficos surgidos en los ochenta más populares. Ligado desde los comienzos de su carrera a la música pop/rock como arreglista, desarrolló posteriormente una larga   carrera como compositor de bandas sonoras que, lamentablemente, se vio truncada por su prematura muerte en el año 2003 cuando contaba 55 años.

Más adelante pondré algún tema instrumental del compositor neoyorquino, pero hoy me he querido centrar en faceta como arreglista y cocompositor de canciones. Su lista de colaboraciones es sencillamente impresionante: Pink Floyd, Queen (los arreglos orquestales del Who wants to be forever son suyos y, de hecho, aparece él mismo dirigiendo la orquesta en el videoclip), Eric Clapton, Aerosmith, The Cranberries, Bryan Adams (probablemente su más frecuente colaborador), Herbie Hancock, Colplay, Bon Jovi, Sting o Metallica, en S&M el directo de la banda acompañada por la orquesta sinfónica de San Francisco dirigida por el propio Kamen.

Como dice mi mujer, este hombre sabía escribir canciones. Como muestra dejo algunos de sue temas en la lista para complementar a la canción del día.

La colaboración cinematográfica entre Bryan Adams y Michael Kamen, comenzó con la banda sonora de Robin Hood príncipe de los ladrones, para la que ambos escribireon Eveything I do que se convirtió en un gran éxito, allanando el terreno para otras colaboraciones. Dos años después escribirían otro tema que también tuvo mucha repercusión para ese engendro de película que era Los tres mosqueteros del año 1993,donde lo único reseñable era la música del propio Kamen y la canción All for love, interpretada por Adams, Sting y Rod Stewart. Hubieron de pasar otros dos años hasta su siguiente colaboración para el cine, la canción que nos ocupa, Have you ever really loved a woman?, para la banda sonora Don Juan de Marco en la que también colaboraría el españo Paco de Lucía a la guitarra.

Es una balada vital, divertida que transmite alegría y con aire desenfadado. Provista de una melodía pegadiza pero no simple, fácilmente tarareable que la hace muy retentiva. Kamen era un gran creador de melodías y esta partitura y por extensión la canción es una buena muestra de ello.

Poco más que añadir, salvo el recuerdo de ser uno de los primeros compositores que he conocido en persona. Hace muchos años, cuando en la Mostra de Cinema del Mediterrani aún se celebraba el congreso de música de cine, Michael Kamen fue el principal invitado y se demostró una persona cercana con quien se podía tener una charla sobre su música y que además ofreció un espectacular concierto dirigiendo a la Orquesta de Valencia en el Palau de la Música de Valencia, donde ofreció un repaso de toda su obra que aún hoy en día y habrán pasado unos quince años, sigue siendo uno de los mejores conciertos de mi vida.

Día 27 - Hellfire (The hunchback of Notre Dame) por Alan Menken

La presente canción es sin duda la canción más extrema y adulta jamás escrita para una película de animación de la factoría Disney. Escrita por Alan Menken, en gran parte artífice junto a Howard Ashman del resurgir del estudio a principio de los noventa tras el éxito de La sirenita y de La bella y la bestia. Tras varios éxitos incontestables a nivel económico y artístico, El jorobado de Notre Dame fue la película que supuso el punto de inflexión en esta tendencia, una película muy estimable pero con tantos aciertos como errores, poseedora de algunas de las secuencias más intensas de toda la filmografía del estudio, contrarrestadas con considerables apuntes cómicos para hacer la propuesta más adecuada a los niños. Así, la película es un monstruo bicéfalo que en pos de intentar enganchar a todas las edades se queda en tierra de nadie y supuso una decepción a nivel económico y un conjunto de críticas no excesivamente positivas.

La música compuesta por Alan Menken es la más madura y grandiosa del compositor hasta ese momento. Si bien en las canciones también obtenemos esta bicefalia antes comentada, la partitura incedental no hace concesiones. Una composición para gran orquesta y coro con temas de acción muy elaborados y momentos absolutamente épicos como ese prólogo magistral titulado The bells of Notre Dame.

De este díptico Heaven´s light/Hellfire, me quedo con la segunda parte que es la más interesante sin duda, si no tenéis paciencia avanzad hasta el minuto uno con cuarenta. segundos. Nos adentramos dentro de los muros de la imponente catedral mientras el coro entona el yo confieso en latín para posteriormente dar paso a los aposentos del juez Frollo que intentando la expiación de sus pecados mediante confesión a la virgen María por los pensamientos impuros que siente hacia la gitana esmeralda. La conjunción del yo confieso (ese Mea culpa, mea maxima culpa) con la propia letra de la canción(con  frases como Este ardiente deseo me está llevando al pecado o Sé mía o arderás), la dotan de una fuerza y una gravedad inusitadas para un tema perteneciente a una película infantil. Si a ello le añadimos la opresiva partitura del compositor y la agresividad en los coros, logramos este gran tema, que si bien nunca aparecerá en un grandes éxitos del estudio sí tiene una enorme calidad y no debería pasar nunca desapercibido.

Priests:

Confiteor Deo Omnipotenti (I confess to God almighty)

Beatae Mariae semper Virgini (To blessed Mary ever Virgin)

Beato Michaeli archangelo (To the blessed archangel Michael)

Sanctis apostolis omnibus sanctis (To the holy apostles, to all the saints)

Frollo:

Beata Maria

You know I am a righteous man

Of my virtue I am justly proud

Priests:

Et tibit Pater (And to you, Father)

Frollo:

Beata Maria

You know I'm so much purer than

The common, vulgar, weak, licentious crowd

Priests:

Quia peccavi nimis (That I have sinned)

Frollo:

Then tell me, Maria

Why I see her dancing there

Why her smold'ring eyes still scorch my soul

Priests:

Cogitatione (In thought)

Frollo:

I feel her, I see her

The sun caught in raven hair

Is blazing in me out of all control

Priests:

Verbo et opere (In word and deed)

Frollo:

Like fire

Hellfire

This fire in my skin

This burning

Desire

Is turning me to sin

It's not my fault

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

I'm not to blame

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

It is the gypsy girl

The witch who sent this flame

Priests:

Mea maxima culpa (Through my most griveous fault)

Frollo:

It's not my fault

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

If in God's plan

Priests:

Mea culpa (Through my fault)

Frollo:

He made the devil so much

Stronger than a man

Priests:

Mea maxima culpa (Through my most griveous fault)

Frollo:

Protect me, Maria

Don't let this siren cast her spell

Don't let her fire sear my flesh and bone

Destroy Esmeralda

And let her taste the fires of hell

Or else let her be mine and mine alone

Guard:

Minister Frollo, the gypsy has escaped

Frollo:

What?

Guard:

No longer in the cathedral. She's gone

Frollo:

But how? Never mind. Get out, you idiot

I'll find her. I'll find her if I have to burn down all of Paris

Hellfire

Dark fire

Now gypsy, it's your turn

Choose me or

Your pyre

Be mine or you will burn

Priests:

Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:

God have mercy on her

Priests:

Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:

God have mercy on me

Priests:

Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:

But she will be mine

Or she will burn!

De postre os dejo la escena de la película, atención a la sensualidad de la figura de Esmeralda que surge del fuego o los gestos de Frollo entorno al pañuelo que tiene de la joven gitana.

Día 24 - The Peterson house and Finale (Lincoln) por John Williams

John Williams repite por aquí y lo hará unas cuantas veces más, ya que es mi compositor favorito. Esta vez viene con el tema final de su trabajo más reciente Lincoln, la nueva película de Steven Spielberg. Williams es junto con Morricone, el compositor cinematográfico más famoso de nuestros días. De su pluma han salido algunas de las reconocidas melodías de la historia del cine y es de los pocos casos en los que, incluso gente no muy aficionada al cine es capaz de reconocer su nombre. Su lista de premios es impresionante, destacando el hecho de ser la persona viva que más nominaciones al Oscar ha recibido (46) y la segunda de la historia, sólo por detrás de Walt Disney.

Este nuevo trabajo para su amigo y principal colaborador Steven Spielberg (llevan trabajando juntos desde principios de los setenta, de hecho Williams ha compuesto la totalidad de bandas sonoras de las películas del director norteamericano con la excepción de El color púrpura) nos trae el lado de compositor más introspectivo y solemne. Un trabajo para escuchar con atención, una música sencilla que no simple, con especial cuidado en los instrumentos solistas, hasta cinco aparecen destacados en los créditos, interpretado por la Chicago Symphony Orchestra en aras de lograr una mayor calidez, coherencia y atención a los detalles por parte de los músicos.

El tema que os presento corresponde con el final de la película y es una larga suite de once minutos donde se recogen los principales temas de la película, pasando de lo íntimo a lo épico, transmitiendo paz y solemnidad. Once minutos a modo de poema sinfónico, de modo que por sí solos son capaces de narrarnos una historia. Once minutos para olvidarse del mundo exterior y sumergirse en este gran trabajo del maestro John Williams.

Día 20 - The gravel road (The village) por James Newton Howard

A veces hay películas a las que vuelves aunque no te gustaran en un primer visionado. El bosque de M. Night Shyamalan es una de ellas,si bien es cierto que la primera vez no cuenta demasiado pues la vi durante mi estancia en Alemania y, por supuesto, doblada al alemán. Esta película marca el punto de inflexión en su meteórica carrera tras los éxitos consecutivos de El sexto sentido, El protegido y Señales. Aunque, la verdad, no sería justo calificarla de fracaso pues funcionó muy bien en taquilla, pero su recepción crítica no fue comparable a la de sus anteriores trabajos y la opinión del público aún fue peor. Vuelta a ver la película tiene una gran atmósfera y puesta en escena, buenas interpretaciones pero dañada por su final y, sobre todo, por un tráiler que prometía un film de terror puro y duro que no tenía nada que ver con el resultado final de la película.

En un apartado en el que la película supone un triunfo absoluto es en la música compuesta por James Newton Howard, colaborador del director hindú desde El sexto sentido y que comenzó su carrera como arreglista de Elton John y Barbra Streisand. La música compuesta para El bosque resulta misteriosa y afligida a la par que delicada e íntima. Una partitura bellísima que se ve beneficiada por la gran interpretación del violín solista a cargo de la estrella de la música clásica Hillary Hahn.

Aquí os dejo el tema The gravel road, pero si tenéis tiempo, escuchad el disco completo, no os arrepentiréis.

Día 19 - This is Halloween (Nightmare before Christmas) por Danny Elfman

En un día como éste no podía faltar una canción de Halloween y ninguna mejor que ésta. Año 1991, Tim Burton llevaba una buena racha de éxitos encadenando Bitelchús, Batman y Eduardo Manostijeras, además Disney había dado luz verde a su ansiado proyecto de dirigir una película stop motion a partir de uno de sus poemas, un proyecto muy personal en el que llevaba ya mucho tiempo trabajando.Sin embargo Warner Bros. no quería dejar enfriar mucho tiempo el éxito de Batman a la hora de preparar la secuela y también aprobó su puesta en marcha para estrenarse el año siguiente. Burton tenía un compromiso con el estudio que le obligaba a dirigir la continuación Batman Vuelve, por lo que tuvo que renunciar finalmente a la dirección de Pesadilla antes de Navidad, labor que recayó finalmente en el especialista de la técnica por animación stop motion Henry Selick.

Danny Elfman,como en los anteriores trabajos del director norteamericano, se encargó de la partitura. Si bien, en este caso, al ser una película musical su responsabilidad fue mucho mayor que en otras ocasiones, al dar forma con sus canciones a la película ya que ellas serían el hilo conductor. Tal fue su implicación que el música aparece acreditado como productor ejecutivo de la película además de doblar en las canciones al personaje de Jack Skellintong y a varios personajes secundarios. Es patente que hubo roces durante la producción de la película entre Burton y el compositor, no olvidemos que era un proyecto personal del primero. Y, de hecho, tras el estreno de la película ambos decidieron darse un descanso. De este modo, la siguiente película de Burton, Ed Wood, sería musicada por Howard Shore.

Pesadilla antes de Navidad es, probablemente, la cima musical de la carrera de Danny Elfman, una obra compleja repleta de melodías y motivos que se interrelacionan y varían con el particular estilo del pelirrojo compositor. Al igual que Menken con sus partituras de La bella y la bestia y La sirenita, Elfman pone su ojo en los musicales de Broadway donde el peso narrativo recae en las canciones si bien, musicalmente responde a su muy particular estilo.

Su edición discográfica incluye incluso una Overtura a modo de introducción de los diferentes leit motifs de la partitura, para dar paso tras una breve transición a This is Halloween, que actúa de introducción al universo y personajes de la película. Una pieza coral donde los distintos personajes van presentándose y anticipando la llegada del rey calabaza, del gran Jack Skellintong. Una perfecta introducción para una perfecta película.

Aquí os dejo la letra (entre corchetes se indican los diferentes personajes que entonan la canción):

[SHADOW]

Boys and girls of every age

Wouldn't you like to see something strange?

[SIAMESE SHADOW]

Come with us and you will see

This, our town of Halloween

[PUMPKIN PATCH CHORUS]

This is Halloween, this is Halloween

Pumpkins scream in the dead of night

[GHOSTS]

This is Halloween, everybody make a scene

Trick or treat till the neighbors gonna die of fright

It's our town, everybody scream

In this town of Halloween

[CREATURE UNDER THE BED]

I am the one hiding under your bed

Teeth ground sharp and eyes glowing red

[MAN UNDER THE STAIRS]

I am the one hiding under yours stairs

Fingers like snakes and spiders in my hair

[CORPSE CHORUS]

This is Halloween, this is Halloween

[VAMPIRES]

Halloween! Halloween! Halloween! Halloween!

In this town we call home

Everyone hail to the pumpkin song

[MAYOR]

In this town, don't we love it now?

Everybody's waiting for the next surprise

[CORPSE CHORUS]

Round that corner, man hiding in the trash can

Something's waiting now to pounce, and how you'll...

[HARLEQUIN DEMON, WEREWOLF & MELTING MAN]

Scream! This is Halloween

Red 'n' black, slimy green

[WEREWOLF]

Aren't you scared?

[WITCHES]

Well, that's just fine

Say it once, say it twice

Take a chance and roll the dice

Ride with the moon in the dead of night

[HANGING TREE]

Everybody scream, everbody scream

[HANGED MEN]

In our town of Halloween!

[CLOWN]

I am the clown with the tear-away face

Here in a flash and gone without a trace

[SECOND GHOUL]

I am the "who" when you call, "Who's there?"

I am the wind blowing through your hair

[OOGIE BOOGIE SHADOW]

I am the shadow on the moon at night

Filling your dreams to the brim with fright

[CORPSE CHORUS]

This is Halloween, this is Halloween

Halloween! Halloween! Halloween! Halloween!

Halloween! Halloween! 

[CHILD CORPSE TRIO]

Tender lumplings everywhere

Life's no fun without a good scare

[PARENT CORPSES]

That's our job, but we're not mean

In our town of Halloween

[CORPSE CHORUS]

In this town

[MAYOR]

Don't we love it now?

Everybody's waiting for the next surprise 

[CORPSE CHORUS]

Skeleton Jack might catch you in the back

And scream like a banshee

Make you jump out of your skin

This is Halloween, everyone scream

Wont' ya please make way for a very special guy

Our man jack is King of the Pumpkin patch

Everyone hail to the Pumpkin King now!

[EVERYONE]

This is Halloween, this is Halloween

Halloween! Halloween! Halloween! Halloween!

[CORPSE CHILD TRIO]

In this town we call home

Everyone hail to the pumpkin song

[EVERYONE]

La la la la-la la [Repeat]

Día 17 - The fire dragon (The 13th Warrior) por Jerry Goldsmith

El guerrero nº 13 es una de esas películas que lo tienen todo para ser un éxito y acaban siendo un fracaso y de los grandes. Basada en la obra Devoradores de cadáveres de Michael Crichton y producida por el propio escritor narra las aventuras de un grupo de vikingos que, ayudados por un guerrero árabe, luchan contra un grupo de neardentales, o al menos eso cuenta la novela. Para su dirección se contó con el especialista en el género de acción, probablemente el mejor director en la especialidad de los surgidos en los ochenta, John McTiernan. La película se unió a la lista  de adaptaciones de la obra de Crichton que se hicieron a principios de los noventa, tras el impresionante éxito de Parque Jurásico. Como he dicho, la película, como habéis visto contaba con todas las papeletas para volver a ser un éxito. Sin embargo, tras el rodaje y los primeros montajes de McTiernan, Crichton no estaba convencido del resultado y terminó apartando al director, siendo el propio escritor el responsable final del montaje de la película. 

Una de las decisiones que tomó fue descartar la música compuesta por Graeme Revell y sustituirle por Jerry Goldsmith, a quien Crichton conocía desde los setenta, cuando el música americano creó la música para las primeras incursiones del escritor como director como El primer gran asalto al tren. La verdad es que tras oir la partitura rechazada de Revell, que fue publicada a posteriori, ganamos con el cambio. La partitura que creó Goldsmith para la película es para mí su última gran obra. Una música violenta, primaria, intensa, con una cuidadísima orquestación y,como siempre en el compositor americano, absolutamente ligada y dedicada a la película. Una magistral partitura de la que os dejo uno de sus cortes más intensos, The fire dragon, todo un tour de force para la orquesta.

PD: La película fue estrenada finalmente casi dos años después de su comienzo de rodaje con un considerable fracaso económico. La verdad es que se nota la postproducción complicada que tuvo en el resultado, pero aun así resulta un film muy estimable que bien merece una revisión.

Día 16 - The show must go on (Innuendo) por Queen

Sin duda una de las canciones más populares del grupo británico QUEEN y, seguramente, la más emotiva de todas. Compuesta y escrita por Brian May, es un homenaje del grupo a su cantante Freddie Mercury, ya muy debilitado por aquella época por la enfermedad con la que llevaba batallando varios años. Mercury únicamente colaboró poniendo voz a la canción, e incluso el propio May tenía dudas en su momento de que pudiera llegar a hacerlo.
La letra para evitar habladurías y polémica es muy metafórica, muy genérica, sin personificar en ningún momento a la persona de Mercury, muy celoso de su vida privada. De hecho, sólo reconoció, mediante comunicado oficial, su lucha contra el SIDA, un par de días antes de su fallecimiento.
A pesar del gran éxito del álbum al que pertenecía, Innuendo, la canción no fue editada como single hasta el año 91, con motivo del lanzamiento del segundo recopilatorio de la banda Greatest Hits II. De nuevo, a modo de homenaje al cantante por parte de la banda, la cara B del single correspondía al tema Keep yourself alive perteneciente al primer disco de QUEEN.
Me gusta muchísimo QUEEN, por muchos motivos, me hace reir, me hace vibrar, pero también me emociona, me mueve y conmueve. Esta canción, ya no solo por su historia, que también, sino por cómo está interpretada, por su letra, por su música, no puedo oirla sin dejar de hacer lo que esté haciendo y escucharla y sentirla. Pocas canciones consiguen eso en mí, los que me conocéis sabéis que prefiero la música sin letra, pero ésta es una de ellas. Aquí os dejo su letra:

 Empty spaces - what are we waiting for

Abandoned places - I guess we know the score

On and on

Does anybody know what we are looking for

Another hero another mindless crime

Behind the curtain in the pantomime

Hold the line

Does anybody want to take it anymore

The show must go on

The show must go on

Inside my heart is breaking

My make-up may be flaking

But my smile still stays on

Whatever happens I'll leave it all to chance

Another heartache another failed romance

On and on

Does anybody know what we are living for

I guess I'm learning

I must be warmer now

I'll soon be turning round the corner now

Outside the dawn is breaking

But inside in the dark I'm aching to be free

The show must go on

The show must go on - yeah

Ooh inside my heart is breaking

My make-up may be flaking

But my smile still stays on

Yeah oh oh oh

My soul is painted like the wings of butterflies

Fairy tales of yesterday will grow but never die

I can fly - my friends

The show must go on - yeah

The show must go on

I'll face it with a grin

I'm never giving in

On with the show

I'll top the bill

I'll overkill

I have to find the will to carry on

On with the

On with the show

PD: Como regalo añado, la magnífica versión de la canción que se realizó para la banda sonora de Moulin Rouge, interpretada por Jim Broadbent y Nicole Kidman y arreglada por el compositor Craig Armstrong, entre otros.

Día 15 - Me voy a morir de tanto amor (Lucía y el sexo) por Alberto Iglesias

Para mí una de las mejores secuencias cinematográficas de los últimos años, si no la mejor, es la que describe la vida de casados de los protagonistas de Up. Una magistral secuencia sin diálogos en la que, en apenas cuatro minutos, se nos narra toda la vida de esta pareja, sus anhelos e lusiones, pero también sus desgracias y frustraciones. Cine puro con un acertadísimo uso de la elipsis. Y gran parte de la culpa de que la escena funcione la tiene la música compuesta por Michael Giacchino para la ocasión, una pieza en forma de vals en la que diferentes secciones e instrumentos solistas de la orquesta van alternando el protagonismo en la melodía. La única pega que tiene es, que la pieza no es muy original, unos cuantos años antes Alberto Iglesias, para la película Lucía y el sexo había compuesto una pieza muy similar melódica y estructuralmente. El parecido entre ambas piezas es innegable y, claramente, no es fruto de la casualidad. Tampoco creo que sea culpa del compositor pues parece un perfecto ejemplo de temp track, nombre que reciben las piezas usadas por los directores durante el montaje de la película y empleadas a modo de directrices para los compositores encargados de la banda sonora.

Así pues, si bien la pieza de Giacchino es fantástica, la obra compuesta por Alberto Iglesias, sin duda el más reconocido de los compositores cinematográficos españoles, no ha de pasar desapercibida. Un vals apacible que nos describe la vida diaria de los protagonistas con sus diferentes variaciones en la rutina diaria, pefectamente representada por la alternancia de instrumentos solistas en la melodía principal.

 En la siguiente lista de reproducción disponéis de ambos temas para poder compararlos.

Día 14 - Titanic Suite (Back to Titanic) por James Horner

Titanic supuso para el compositor norteamericano James Horner, la consagración definitiva a nivel de popularidad, no en vano el disco se mantuvo dieciséis semanas consecutivas como número uno en ventas en la lista Billboard. Por supuesto, la gente que se compró el disco en su inmensa mayoría lo hacía por conseguir el single My heart will go on interpretado por Celine Dion y compuesto por el propio Horner.

El primer disco que se editó junto con el estreno de la película, contenía el grueso de la música compuesta por Horner. Una música que, como es habitual en el compositor, se mueve con soltura de los momentos íntimos a los grandilocuentes, con un dominio absoluto de la orquestación y un  exquisito don para dar con melodías memorables. De hecho, Titanic supone una cima en su carrera, por la conjunción de las distintas corrientes de su obra en una única partitura, explotándolas al máximo y logrando una extraña coherencia. Pues en la partitura se dan cita tanto el más clásico sinfonismo como melodías de clara influencia céltica así como pinceladas de sonido New Age, muy cercano a Enya (probablemente por imposición de James Cameron) añadiendo a orquesta y coros, sintetizadores.

Este larga suite de casi veinte minutos, recoge la mayoría de temas de la película y fue compuesta exprofeso para un segundo disco que aparte de contener más fragmentos de la partitura original incluía música diegética como la que interpreta la orquesta del Titánic y una nueva versión del famoso single de Celine Dion, ahora con efectos sonoros y diálogos de la película(sic). Una de las cosas que más se le criticó a Horner en su momento fue la decisión de recurrir a coros sintetizados en algunos momentos de la partitura, esta suite corrige este hecho y si bien al principio siguen siendo sintetizados en la parte final, también la más emotiva de toda la suite, la inclusión de un coro real de voces blancas dota de una fuerza y un sentimiento que no estaban presentes en el disco original.

A Horner siempre se la acusa de copiarse en exceso a si mismo (de hecho, tiene un grupo de facebook dedicado a su famoso parabará), pero su calidad compositiva está fuera de toda duda. Sus trabajo pueden gustar más o menos, pueden parecer más o menos originales, pero siempre, o casi siempre, tienen una gran calidad. Ésta no será la última vez que aparezca en el blog, seguro.

Día 12 - Non nobis, Domine (Henry V) por Patrick Doyle

Hoy toca este himno, seguramente el tema más conocido del compositor escocés Patrick Doyle, gran amigo del director Kenneth Branagh y creador de las partituras de todas las películas dirigidas por éste desde, precisamente, ésta que nos ocupa Henry V de 1989, adaptación al cine de la obra homónima de William Shakespeare.

Non nobis, Domine es una pieza compuesta para orquesta y coro cuya intensidad va en aumento conforme se desarrolla. Es una única melodía que se va repitiendo primero por un barítono, el propio Doyle (que también participa como actor en la película ya que, al igual que Branagh, procede del mundo del teatro donde colaboraron en The Renaissance Theatre Company), para dar paso primero (0m 25s) a la sección masculina del coro, y posteriormente a la sección de cuerda de la orquesta (1m). A partir de este punto, se va intensificando la pieza añadiendo más instrumentación e incluso un canon a dos voces. Se continúa con esta orquestación hasta 2m 20s, donde se agrega ya toda la orquesta y durante 1 minuto aproximadamente, las voces desaparecen haciendo que sea la parte instrumental la que siga aumentando en intensidad, hasta que se unen (3m 30s) las voces masculinas y la sección femenina del coro en la parte final de la pieza.

Por la estructura, por la sencillez de la melodía, es un tema con mucha fuerza, de carácter épico, propio para acompañar una gesta de cualquier tipo. Su objetivo es elevar el espíritu, dotarlo de fuerzas para continuar. 

La letra del himno,Non nobis Domine, non nobis, sed Nomine Tuo da Gloriam, significa en español, Nada para nosotros Señor, nada para nosotros, salvo para la gloria de tu nombre y fue el lema de la Orden de los caballeros templarios.

Si bien el listón quedó muy alto en esta primera colaboración, Doyle y Branagh siguieron trabajando juntos en una serie de proyectos cuyos resultados artísticos fueron muy celebrados, logrando una gran comunión música-imágenes y unas partituras memorables, alcanzando quizás la cumbre en Mucho ruido y pocas nueces. Lamentablemente el fracaso del mastodóntico Hamlet y la leucemia, contraída por Doyle a mediados de los noventa, rebajó bastante el nivel de excelencia al que nos acostumbraron en sus primeras colaboraciones. Hoy en día, ambos se encuentran plenamente integrados en la maquinaria Hollywoodiense, entregando trabajos funcionales, efectivos, pero sin alma, muy lejos de los logros artísticos de sus primeras películas.

Día 9 - James Bond theme (Dr No) por John Barry y Monty Norman

Día 8 - You know my name (Casino Royale) por Chris Cornell

Día 7 - Goldeneye (Goldeneye) por Tina Turner