miércoles, 14 de noviembre de 2012

Día 33 - End Credits (Mouse Hunt) por Alan Silvestri

Turno para un divertimento. Un ratoncito duro de roer (Mouse hunt) es una película del año 1997 protagonizada por los cómicos Lee Evans y Nathan Lane que significó el debú en la dirección del realizador Gore Verbinski que, posteriormente, se encargaría de la saga de Piratas del Caribe.

La película es una agradable mezcla de las películas de Laurel y Hardy pasado por el tamiz de los dibujos de Tom y Jerry con momentos muy divertidos y un gran diseño de producción. Para redondear el film el director norteamericano contó con la ayuda del conocido compositor Alan Silvestri.

Alan Silvestri es un compositor norteamericano que alcanzó el reconocimiento muy pronto en su carrera en su segunda colaboración con el director Robert Zemeckis en la conocidísima Regreso al futuro, para la que creó uno de los temas más recordados de la historia del cine. Desde entonces ha colaborado en todas las películas del Zemeckis y se ha convertido en uno de los compositores de referencia del cine de acción. Sin ir más lejos es el compositor elegido para musicar las películas de El capitán América y Los Vengadores.

Su partitura para Mouse Hunt es divertida, desenfadada, frenética pero con momentos tiernos y delicados. Esta suite recoge los diferentes temas de la película envueltos por el tema principal, una marcha divertida interpretada por el oboe con las cuerdas punteando de acompañamiento. Una especie de marcha bufa muy divertida y que siempre me despierta una sonrisa.

Aquí la tenéis.


martes, 13 de noviembre de 2012

Día 32 - Obertura (La flauta mágica) por W. A. Mozart

Mis recuerdos de esta pieza se remontan al año 1991 cuando en pleno año Mozart, pues se cumplían 200 años de su fallecimiento, mis padres me regalaron este recopilatorio Mozartmanía. Los puristas de la música clásica suele renegar y, con razón en general, de este tipo de recopilatorios pero no hay que negarles un gran valor como introducción a la música que representan.

En dicho recopilatorio, uno de los temás que más me gustó fue sin duda la   Obertura de la ópera La flauta mágica. Con el paso de los años, a medida que he ido madurando he profundizado mucho más en la obra del compositor austríaco y hoy en día me parece un error escuchar por ejemplo un movimiento de una sinfonía fuera del conjunto, pero sigo viendo que para niños/adolescentes o adultos que no están muy metidos en el mundo de la música clásica, este tipo de recopilatorios pueden tener una gran utilidad para ayudarles a descubrir este fantástico mundo.

No soy un gran fan de la ópera, tienden a parecerme, en general, demasiado largas aun así considero imprescindible la escucha completa de varias de ellas para conocerlas mejor. Y el ejemplo que tenemos aquí de Mozart es un buen comienzo pues es una obra alegre y divertidas, con algunas de las escenas más reconocidas de la historia de la ópera. Otros compositores válidos para una primera aproximación serían los italianos Verdi o Rossini o el francés Bizet con su monumental Carmen. A Wagner o Britten, habría que dejarlos para un poco más adelante.

Aparte de dejaros la ópera completa, añado la película completa que realizó Kenneth Branagh de la ópera, eso sí en inglés con un libreto bastante libre de Stephen Fry. Como curiosidad está película fue financiada por una asociación sin ánimo de lucro cuyo objetivo es la difusión la ópera al máximo nivel posible. Es una lectura fresca y desenfadada con grandes aciertos y errores (el aria de la reina de la luna....) que creo vale mucho la pena ver.




lunes, 12 de noviembre de 2012

Día 31 - Chevaliers de Sangreal(The Da Vinci code) por Hans Zimmer

Hans Zimmer es, sin duda, el compositor cinematográfico de más éxito en la actualidad siendo, además el gran renovador del género desde principios de los noventa. Con un modo de trabajar muy especial que lo aproxima más a la figura de un productor musical en el mundo del pop/rock que a la de un compositor en el sentido estricto. De hecho, en sus parituras siempre aparecen acreditados varios co-compositores y una pléyade de orquestadores, siendo por tanto la labor del propio Zimmer un tanto difusa, más amalgama y líder de equipo que creador. De hecho, por ejemplo, para la segunda entrega de Sherlock Holmes se sabe que compuso una suite de veinte minutos con las principales ideas de la película y se la pasó a los compositores que se encargarían de desarrollarlas y aplicarlas a las imágenes.

Su música resulta muy efectiva junto con las imágenes y su simplicidad, que no sencillez, hace que su trabajo sea muy imitado. Su labor para la saga de Piratas del Caribe y su complicidad de con Christopher Nolan le ha asegurado un público fiel que espera con ansia cada obra suya. Una música que integra elementos sintetizados con la orquesta, como ya vimos en el ejemplo de John Powell, uno de sus discípulos.

Últimamente, sobre todo en su trabajo con Nolan, su trabajo se asemeja más al de un editor sonoro que al de un músico, quedando las fronteras muy difuminadas al unificar el universo sonora de la película integrando su composición con los efectos sonoros.

Con el paso de los años Zimmer se ha hecho un especialista en un tipo de tema cuya estructura es siempre similar. Sobre una base de cuerdas en staccato desarrolla un breve melodía que va pasando por las diferentes secciones de la orquesta, ganando siempre en intensidad sin modificar en ningún momento la melodía y siempre con el ritmo de las cuerdas en staccato por debajo. Una suerte de bolero de Ravel, aunque mucho más simple. El resultado crea, a mi modo de ver, de modo inconsciente en el oyente una cierta ansiedad por la repetición que hace que la llegada del final de la pieza resulte una liberación.

Lleva experimentando con la idea muchos años, siendo para mí esta pieza Chevaliers de Sangreal su ejemplo más depurado, corresponde con el final de la película El código Da Vinci, cuando Robert Langdon vuelve al Louvre y el espectador lo acompaña en su descubrimiento en un escena sin diálogos, que resulta muy efectiva gracias a la música de Zimmer. Pues bien, si uno se fija en la saga de Batman o, por ejemplo, en Origen, obras también suyas, podemos observar que la estructura de las piezas que narran el final de las películas es idéntica. Se repite lo básico aunque pueda haber cambios en la orquestación.

No soy un gran fan de Zimmer, aun así encuentro algunos de sus trabajos muy estimables y, aunque me pese, he de reconocer su gran importancia en la música actual, en la que ha cogido el relevo de los grandes maestros de los setenta y ochenta como John Williams o Jerry Goldsmith para marcar su propia senda. Si para bien o para mal, eso ya es otro tema.

Os dejo con varios temas que ejemplifican esta estructura, en su totalidad o en parte del tema.

Ha

domingo, 11 de noviembre de 2012

Día 30 - Italia (The talented Mr. Ripley) por Gabriel Yared

La presente es una pieza muy breve pero su capacidad de evocación me parece infinita. Compuesta por el compositor libanés Gabriel Yared en su segunda colaboración con el director británico Anthony Minguella, El talento de Mr Ripley sigue siendo mi banda sonora favorita del música; siendo para mí superior incluso a su celebrada El paciente inglés.

En esta nueva adaptación de la obra homónima de Patricia Highsmith, el jazz tiene muchísima importancia, pues es la música que mueve y motiva a los protagonistas, que incluso se atreven a cantar un par de canciones. La música de Yared, sin embargo, no recurre a este estilo, se mantiene mucho más clásica en busca de un claro contraste, pues la música compuesta por el música libanés atiende más a la psicología de los personajes que a la acción en si. De hecho, ya la primera pieza que suena en el film Lullaby for Cain (interpretada de manera diegética en el film por una soprano, pero por Sinêad O'Connor en la edición discográfica) ya apunta a que la música va a hablarnos de Tom Ripley.

El corte Italia, que es el que os presento se escucha cuando el personaje interpretado por Matt Damon llega a Italia, en busca de Dickie Greenleaf (Jude Law) a quien su padre ha mandado encontrar para reencarrilar su vida de excesos. La orquestación de la pieza es muy delicada un arpa, un clarinete, un acordeón, acompañados por la sección de cuerdas de la orquesta. Como he indicado es una pieza muy breve, pero evoca perfectamente lo que quiere representar la feliz Italia de los años cincuenta.

Cerrad los ojos, soñad, dejaos arrastrar por el encanto de esta música exquisita.


sábado, 10 de noviembre de 2012

Día 29 - Have you ever really loved a woman?(Don Juan de Marco) por Michael Kamen y Bryan Adams

Michael Kamen fue uno de los músicos cinematográficos surgidos en los ochenta más populares. Ligado desde los comienzos de su carrera a la música pop/rock como arreglista, desarrolló posteriormente una larga   carrera como compositor de bandas sonoras que, lamentablemente, se vio truncada por su prematura muerte en el año 2003 cuando contaba 55 años.

Más adelante pondré algún tema instrumental del compositor neoyorquino, pero hoy me he querido centrar en faceta como arreglista y cocompositor de canciones. Su lista de colaboraciones es sencillamente impresionante: Pink Floyd, Queen (los arreglos orquestales del Who wants to be forever son suyos y, de hecho, aparece él mismo dirigiendo la orquesta en el videoclip), Eric Clapton, Aerosmith, The Cranberries, Bryan Adams (probablemente su más frecuente colaborador), Herbie Hancock, Colplay, Bon Jovi, Sting o Metallica, en S&M el directo de la banda acompañada por la orquesta sinfónica de San Francisco dirigida por el propio Kamen.

Como dice mi mujer, este hombre sabía escribir canciones. Como muestra dejo algunos de sue temas en la lista para complementar a la canción del día.

La colaboración cinematográfica entre Bryan Adams y Michael Kamen, comenzó con la banda sonora de Robin Hood príncipe de los ladrones, para la que ambos escribireon Eveything I do que se convirtió en un gran éxito, allanando el terreno para otras colaboraciones. Dos años después escribirían otro tema que también tuvo mucha repercusión para ese engendro de película que era Los tres mosqueteros del año 1993,donde lo único reseñable era la música del propio Kamen y la canción All for love, interpretada por Adams, Sting y Rod Stewart. Hubieron de pasar otros dos años hasta su siguiente colaboración para el cine, la canción que nos ocupa, Have you ever really loved a woman?, para la banda sonora Don Juan de Marco en la que también colaboraría el españo Paco de Lucía a la guitarra.

Es una balada vital, divertida que transmite alegría y con aire desenfadado. Provista de una melodía pegadiza pero no simple, fácilmente tarareable que la hace muy retentiva. Kamen era un gran creador de melodías y esta partitura y por extensión la canción es una buena muestra de ello.

Poco más que añadir, salvo el recuerdo de ser uno de los primeros compositores que he conocido en persona. Hace muchos años, cuando en la Mostra de Cinema del Mediterrani aún se celebraba el congreso de música de cine, Michael Kamen fue el principal invitado y se demostró una persona cercana con quien se podía tener una charla sobre su música y que además ofreció un espectacular concierto dirigiendo a la Orquesta de Valencia en el Palau de la Música de Valencia, donde ofreció un repaso de toda su obra que aún hoy en día y habrán pasado unos quince años, sigue siendo uno de los mejores conciertos de mi vida.



viernes, 9 de noviembre de 2012

Día 28 - Sumertime (Porgy and Bess) por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong

Porgy and Bess es una ópera compuesta por George Gershwin, con letra de su hermano Ira Gershwin. Fue muy novedosa en su época por introducir en el mundo de la ópera componentes musicales provenientes del jazz y de la música folk norteamericana. A pesar de ser considerada por el propio compositor como su mejor obra y contener una de las arias más populares de todo el repertorio es escasamente representada.

Y, sin embargo, es muy popular. Esto es debido a la infinidad de versiones jazzísticas que existen del aria principal (Summertime). No sólo eso, hay adaptaciones de la ópera completa, eliminando, por supuesto, muchas piezas que conforman discos esenciales de la historia del jazz. Éste es uno de ellos pero otros, como el de Miles Davis, también son muy recomendables. Es uno de esos casos donde la versión es más popular que la obra original. Y es que Porgy and Bess, al menos para mí, funciona mejor en las voces de cantantes de jazz que en la de cantantes de ópera, quizás sea porque la ópera siempre ha sido la música de las élites y el jazz la de los pobres y el refinamiento de la primera no acaba de cuajar con la libertad y deshinibición de la segunda.

Según se puede leer en la carpetilla del magnífico CD editado por Verve, en 1957 se decidió hacer una grabación de los fragmentos más conocidos de la ópera adaptados para banda de jazz y únicamente dos cantantes, dos leyendas de la música Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. El músico elegido para hacer la adaptación y los arreglos fue Russell Garcia, un compositor afincado en Hollywood, donde había compuesto la música para películas como El tiempo en sus manos, la primera adaptación de la obra de H.G. Wells La máquina del tiempo. Tras una obertura que recoge los temas más recordados de la partitura, el disco continúa con Summertime, la canción de hoy.

Estamos en Charleston, Carolina del Sur, una noche de calor sofocante y Clara intenta dormir a su bebé cantándole una nana. La adaptación prodigiosa de Garcia nos transmite lo pegajoso del calor en esa zona, con unas cuerdas arrastradas y la trompeta que nos remite directamente al sur de los Estados Unidos. Y entonces comienza a cantar ella, la legendaria Ella Fitzgerald imprimiendo toda la sensualidad del mundo y todo el cariño a la vez a su interpretación. La segunda estrofa la coge la voz ronca, rota de Louis Armstrong,  y una nana se convierte en un dueto de un matrimonio cantando a su hijo en una noche de sofocante calor.

Pero dejo de escribir que lo importante es la música, y esta canción es para escucharla una y mil veces.


Summertime and the livin' is easy
Fish are jumpin' and the cotton is high
Oh your daddy's rich and your ma is good lookin'
So hush little baby, don't you cry

One of these mornings
You're goin' to rise up singing
Then you'll spread your wings
And you'll take the sky

But till that morning
There's a nothin' can harm you
With daddy and mammy standin' by




jueves, 8 de noviembre de 2012

Día 27 - Hellfire (The hunchback of Notre Dame) por Alan Menken


La presente canción es sin duda la canción más extrema y adulta jamás escrita para una película de animación de la factoría Disney. Escrita por Alan Menken, en gran parte artífice junto a Howard Ashman del resurgir del estudio a principio de los noventa tras el éxito de La sirenita y de La bella y la bestia. Tras varios éxitos incontestables a nivel económico y artístico, El jorobado de Notre Dame fue la película que supuso el punto de inflexión en esta tendencia, una película muy estimable pero con tantos aciertos como errores, poseedora de algunas de las secuencias más intensas de toda la filmografía del estudio, contrarrestadas con considerables apuntes cómicos para hacer la propuesta más adecuada a los niños. Así, la película es un monstruo bicéfalo que en pos de intentar enganchar a todas las edades se queda en tierra de nadie y supuso una decepción a nivel económico y un conjunto de críticas no excesivamente positivas.

La música compuesta por Alan Menken es la más madura y grandiosa del compositor hasta ese momento. Si bien en las canciones también obtenemos esta bicefalia antes comentada, la partitura incedental no hace concesiones. Una composición para gran orquesta y coro con temas de acción muy elaborados y momentos absolutamente épicos como ese prólogo magistral titulado The bells of Notre Dame.

De este díptico Heaven´s light/Hellfire, me quedo con la segunda parte que es la más interesante sin duda, si no tenéis paciencia avanzad hasta el minuto uno con cuarenta. segundos. Nos adentramos dentro de los muros de la imponente catedral mientras el coro entona el yo confieso en latín para posteriormente dar paso a los aposentos del juez Frollo que intentando la expiación de sus pecados mediante confesión a la virgen María por los pensamientos impuros que siente hacia la gitana esmeralda. La conjunción del yo confieso (ese Mea culpa, mea maxima culpa) con la propia letra de la canción(con  frases como Este ardiente deseo me está llevando al pecado o Sé mía o arderás), la dotan de una fuerza y una gravedad inusitadas para un tema perteneciente a una película infantil. Si a ello le añadimos la opresiva partitura del compositor y la agresividad en los coros, logramos este gran tema, que si bien nunca aparecerá en un grandes éxitos del estudio sí tiene una enorme calidad y no debería pasar nunca desapercibido.


Priests:
Confiteor Deo Omnipotenti (I confess to God almighty)
Beatae Mariae semper Virgini (To blessed Mary ever Virgin)
Beato Michaeli archangelo (To the blessed archangel Michael)
Sanctis apostolis omnibus sanctis (To the holy apostles, to all the saints)

Frollo:
Beata Maria
You know I am a righteous man
Of my virtue I am justly proud

Priests:
Et tibit Pater (And to you, Father)

Frollo:
Beata Maria
You know I'm so much purer than
The common, vulgar, weak, licentious crowd

Priests:
Quia peccavi nimis (That I have sinned)

Frollo:
Then tell me, Maria
Why I see her dancing there
Why her smold'ring eyes still scorch my soul

Priests:
Cogitatione (In thought)

Frollo:
I feel her, I see her
The sun caught in raven hair
Is blazing in me out of all control

Priests:
Verbo et opere (In word and deed)

Frollo:
Like fire
Hellfire
This fire in my skin
This burning
Desire
Is turning me to sin

It's not my fault

Priests:
Mea culpa (Through my fault)

Frollo:
I'm not to blame

Priests:
Mea culpa (Through my fault)

Frollo:
It is the gypsy girl
The witch who sent this flame

Priests:
Mea maxima culpa (Through my most griveous fault)

Frollo:
It's not my fault

Priests:
Mea culpa (Through my fault)

Frollo:
If in God's plan

Priests:
Mea culpa (Through my fault)

Frollo:
He made the devil so much
Stronger than a man

Priests:
Mea maxima culpa (Through my most griveous fault)

Frollo:
Protect me, Maria
Don't let this siren cast her spell
Don't let her fire sear my flesh and bone
Destroy Esmeralda
And let her taste the fires of hell
Or else let her be mine and mine alone

Guard:
Minister Frollo, the gypsy has escaped

Frollo:
What?

Guard:
No longer in the cathedral. She's gone

Frollo:
But how? Never mind. Get out, you idiot
I'll find her. I'll find her if I have to burn down all of Paris

Hellfire
Dark fire
Now gypsy, it's your turn
Choose me or
Your pyre
Be mine or you will burn

Priests:
Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:
God have mercy on her

Priests:
Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:
God have mercy on me

Priests:
Kyrie Eleison (Lord have mercy)

Frollo:
But she will be mine
Or she will burn!

De postre os dejo la escena de la película, atención a la sensualidad de la figura de Esmeralda que surge del fuego o los gestos de Frollo entorno al pañuelo que tiene de la joven gitana.



miércoles, 7 de noviembre de 2012

Día 26 - 1er Movimiento (1a Sinfonía) por Gustav Mahler

Esta pieza fue la que me descubrió el mundo de la música clásica y a Gustav Mahler, uno de mis compositores favoritos. Mahler, fue a finales del siglo XIX un afamado director de orquesta austriaco que compartía su labor delante de la orquesta con la composición de sus propias obras. Su primera sinfonía fue recibida con frialdad por parte de la crítica, siendo acusado de desafiar las leyes de la música (sic), de ser vulgar y de carecer de sentido. Sin embargo, el paso del tiempo la ha colocado en su sitio adecuado y hoy en día es de sus obras mejor valoradas y también de las más interpretadas a lo largo de todo el mundo.

Musicalmente Mahler entraría dentro de la categoría del Romántico tardío y esta sinfonía podría perfectamente ser un largo poema sinfónico. De hecho, el propio Mahler llamó en un principio a la sinfonía Poema sinfónico en dos partes. Un poema sinfónico o poema tonal es una pieza musical cuyo objetivo es narrativo, es decir mediante la música se nos cuenta una historia. Normalmente son piezas cortas de un movimiento, pero Mahler fue mi ambicioso y creó una sinfonía completa siguiendo este estilo. Inicialmente la sinfonía se llamó Titán, como un libro del escritor Jean Paul, pero Mahler negó que la pieza musical estuviera basada en ese texto y posteriormente le retiró el nombra a la obra.

El primer movimiento comienza como un sueño, es una manera del compositor de decir: Prestadme atención os voy a contar una historia. Es un comienzo liviano, muy ligero de orquestación que poco a poco va ganando en intensidad hasta que la historia comienza a ser contada y se introduce la melodía principal por los violines que comienzan su juego con el resto de secciones de la orquesta. Es una música apacible, divertida, podría ser una excursión por el campo, o una fiesta, realmente queda a la imaginación del oyente. Así que eso os propongo que os dejéis llevar, imaginad, sed libres, cread, soñad, disfrutad sin más de esta obra maestra.

Os dejo con esta interpretación a cargo de la London Symphony Orchestra dirigida por Valery Gergiev, que suena muy bien, la verdad.



martes, 6 de noviembre de 2012

Día 25 -The mystic's dream (The mask and the mirror) por Loreena McKennitt

Una de las cosas que me gustan de este blog es la oportunidad que me brinda de conocer más en profundidad detalles de los músicos, de los discos o de las canciones que voy recomendando. Varios artículos los he escrito de cabeza, sin buscar información adicional, pero en muchos otros sí me documento previamente para aprender algo más de la pieza en cuestión. Hoy, gracias a esto, he descubierto que una de mis cantantes preferidas, Loreena Mckennitt no es irlandesa si no canadiense, aunque de ascendencia escocesa e irlandesa.

Loreena McKennitt es sin duda uno de los mayores referentes de la música celta, tanto por su relevancia como por su labor en busca de las raíces musicales y culturales de este pueblo y sus relaciones con otros. En varios de sus trabajos ha recorrido diversos países en pos de encontrar relaciones musicales y culturales entre diferentes pueblos y de ellos extraer la inspiración para su música. Si bien tiene temas en los que tanto la melodía como la letra son originales, normalmente se inspira en melodías tradicionales y en extractos de textos antiguos o poemas. Por ejemplo, en uno de sus mejores trabajos The mask and the mirror, indagó en la influencia celta en España y sus relaciones con el mundo árabe, un disco que mezcla lo mejor de ambos mundos y entre cuyos textos se encuentra por ejemplo Noche oscura del alma de San Juan de la Cruz.

La canción The mystic's dream pertenece a ese disco y surge de su estancia en la Alhambra durante el año 1993 y su descubrimiento del pueblo sufí y sus relaciones con la cultura druídica celta. La canción, interpretada por su increíble voz, está interpretada por instrumentos tradicionales celtas, a lo que se añade un  coro, e instrumentos foráneos como las flautas rumanas o las tampuras.

Aquí tenéis la pieza, pero os recomiendo encarecidamente el disco completo, aunque, lamentablemente no está disponible en Spotify. Loreena McKennitt se autoedita sus discos a través de Quinlan Road y están todos disponibles tanto en formato físico como en digital sin DRM y en mp3 a 256kbps o FLAC, lo cual me parece una iniciativa muy interesante, pues además sus discos más viejos se encuentran a precio muy económico.


A clouded dream on an earthly night
Hangs upon the crescent moon
A voiceless song in an ageless light
Sings at the coming dawn
Birds in flight are calling there
Where the heart moves the stones
It's there that my heart is calling
All for the love of you

A painting hangs on an ivy wall
Nestled in the emerald moss
The eyes declare a truce of trust
And then it draws me far away
Where deep in the desert twilight
Sand melts in pools of the sky
When darkness lays her crimson cloak
Your lamps will call me home

And so it's there my homage's due
Clutched by the still of the night
And now I feel you move
Every breath is full
So it's there my homage's due
Clutched by the still of the night
Even the distance feels so near
All for the love of you.



lunes, 5 de noviembre de 2012

Día 24 - The Peterson house and Finale (Lincoln) por John Williams

John Williams repite por aquí y lo hará unas cuantas veces más, ya que es mi compositor favorito. Esta vez viene con el tema final de su trabajo más reciente Lincoln, la nueva película de Steven Spielberg. Williams es junto con Morricone, el compositor cinematográfico más famoso de nuestros días. De su pluma han salido algunas de las reconocidas melodías de la historia del cine y es de los pocos casos en los que, incluso gente no muy aficionada al cine es capaz de reconocer su nombre. Su lista de premios es impresionante, destacando el hecho de ser la persona viva que más nominaciones al Oscar ha recibido (46) y la segunda de la historia, sólo por detrás de Walt Disney.

Este nuevo trabajo para su amigo y principal colaborador Steven Spielberg (llevan trabajando juntos desde principios de los setenta, de hecho Williams ha compuesto la totalidad de bandas sonoras de las películas del director norteamericano con la excepción de El color púrpura) nos trae el lado de compositor más introspectivo y solemne. Un trabajo para escuchar con atención, una música sencilla que no simple, con especial cuidado en los instrumentos solistas, hasta cinco aparecen destacados en los créditos, interpretado por la Chicago Symphony Orchestra en aras de lograr una mayor calidez, coherencia y atención a los detalles por parte de los músicos.

El tema que os presento corresponde con el final de la película y es una larga suite de once minutos donde se recogen los principales temas de la película, pasando de lo íntimo a lo épico, transmitiendo paz y solemnidad. Once minutos a modo de poema sinfónico, de modo que por sí solos son capaces de narrarnos una historia. Once minutos para olvidarse del mundo exterior y sumergirse en este gran trabajo del maestro John Williams.


domingo, 4 de noviembre de 2012

Día 23 - Triste y dulce historia de amor (La memoria de los peces) por Ismael Serrano

Nunca he sido fan de Ismael Serrano y el hecho de la inclusión de esta canción es fruto de la nostalgia.

Hablando con una compañera de trabajo sobre el blog, me preguntó que si iba a incluir alguna canción de Ismael Serrano y, la verdad, le dije que no. Siempre me ha puesto nervioso esa manera de cantar que tiene como si intentara imitar a Joan Manuel Serrat. Es un prejuicio, lo sé, pero nunca me ha atraído especialmente su música.

¿Y entonces cómo ha llegado esta canción aquí? El origen es un flashback, recordé que hubo una vez una canción de él que me gustó, buscando y rebuscando la encontré y es de hace la friolera de 14 años, de 1998. Era inocente, estaba en la universidad, las drogas, mi perro se ha comido los deberes, no lo sé, el caso es que en su momento me gustó. Y he de reconocer que vuelta a escuchar hoy en día, la letra que es lo que me atrajo en su día, me sigue gustando mucho aunque musicalmente es otro tema.

En fin, como no quiero buscar más enemigos, aquí os dejo con Triste y dulce historia de amor de Ismael Serrano.


Mi vida empezó aquel día en la inauguración de un polideportivo 
a la que fui invitado en calidad de diputado 
y como miembro del partido. 

Cuando te vi pasar por la otra acera, 
con tus recién cumplidos quince años, 
salías de la escuela. 

Y se hizo luz, se hizo silencio, y en un momento 
todo paró y nació el amor. 
Nació el amor. 

Vestías el uniforme de la escuela: 
el jersey verde, la falda de cuadros, 
hasta las rodillas las medias. 

Sobre los hombros una pesada cartera. 
Quién fuera tu porteador, tu tutor, 
tu institutriz o tu maestra. 

Para estar cerca siempre de ti 
y dedicarte mil atenciones, 
mil atenciones. 

Me darán de lado, me quitarán mi escaño, 
sólo porque te amo. 
Estoy perdido, me echarán del partido, 
no tiene sentido. 
Y qué le voy a hacer, y qué dirá mi mujer 
cuando sepa que te quiero. 
El mundo entero querrá mi cabeza a sus pies. 

A sus pies. 

En los plenos del congreso no hacía otra cosa que pensar en ti, 
y día a día iba a tu colegio 
para verte salir. 

Hasta que un día el amor rebosó en mi cuerpo 
dulce, violento. Y así, corriendo, 
fui hacia ti y te pregunté: 

"Buena muchacha, te acompaño a casa". 
No olvidaré cómo dijiste "Como quiera usted". 
"Como quiera usted". 

Poco a poco nuestra relación se fue formalizando, 
hacíamos juntos los deberes 
mientras íbamos a tu casa andando. 

Hasta un día logré invitarle al cine a ver El Rey León. 
Cuando las hienas acechaban al héroe 
contra mi pecho mi pequeña se estrujó. 

Y se hizo luz, se hizo silencio, y en un momento 
todo paró y nació el amor. 
Nació el amor. 

Me darán de lado, me quitarán mi escaño, 
sólo porque te amo. 
Estoy perdido, me echarán del partido, 
no tiene sentido. 
Y qué le voy a hacer, y qué dirá mi mujer 
cuando sepa que te quiero. 
El mundo entero querrá mi cabeza a sus pies. 

A sus pies. 

Pero como todas las historias de amor, 
al menos las más bellas, 
la nuestra por supuesto también 
acabó en tragedia. 

Y a su madre al enterarse le entró la histeria, 
me denunció, y puso un matón 
para seguir a su pequeña. 

Y una gris tarde fui a buscarla y aquel matón, 
por tres sitios, la cara me rompió. 
La cara me rompió. 

Pronto se hicieron eco de la noticia 
los medios de comunicación, 
y un moderno cantautor 
me compuso una canción. 

Durante una temporada El Mundo 
me dedicaba sus portadas, 
y para darle mayor gravedad 
Pedro J. un editorial. 

Y tertulianos en la radio y la tele comentaban 
cómo la juventud se pierde. 
Ay, ¡cómo se pierde! 

Me darán de lado, me quitarán mi escaño, 
sólo porque te amo. 
Estoy perdido, me echarán del partido, 
no tiene sentido. 
Y qué le voy a hacer, y qué dirá mi mujer 
cuando sepa que te quiero. 
El mundo entero querrá mi cabeza a sus pies. 

A sus pies. 

El comité disciplinario del partido, 
movido por la envidia claramente, 
inició una investigación interna 
y me abrieron expediente. 

Y tras un arduo y largo tormento me expulsaron a la vez 
del partido, el comité, 
y de mi casa mi buena mujer. 

Y quedé sólo con los recuerdos de una pequeña 
con uniforme de escuela, 
con uniforme. 

Me han dado de lado, me han quitado mi escaño. 
Da igual, yo te amo. 
Estoy perdido, me echaron del partido. 
Sólo quiero estar contigo. 
Y qué le voy a hacer si me echó mi mujer 
sólo porque te quiero. 
El mundo entero está a nuestros pies. 

A nuestros pies. 

Estoy seguro: a mí vendrás 
cuando te dejen papá y mama. 
Estaremos juntos, lo sé mi amor, 
cuando seas mayor. 
Me han dado de lado, me han quitado mi escaño. 


sábado, 3 de noviembre de 2012

Día 22 - Uninvited (City of Angels) por Alanis Morissette

Probablemente no sea la mejor canción de la canadiense Alanis Morissette, ni la más conocida, pero es su canción que más me gusta. Inicialmente compuesta para acompañar los créditos finales de la película protagonizada por Meg Ryan (¿dónde estará esta mujer?) y Nicholas Cage (¿por qué no le hace compañía una temporadita a Meg Ryan?) y dirigida por Brad Silberling (Casper...) City of Angels, remake, por cierto, de la película de Win Wenders, El cielo sobre Berlín; homenajeada por la propia Morissette en el videoclip de su último trabajo Havoc and bright lights.

Yo llegué a la canción a través de un recopilatorio que me hizo mi entonces novia y ahora mujer, fan de la cantante desde sus comienzos. Desde la primera vez que la escuché me llamó la atención, sobre todo por su estructura que la aleja de la típica canción. La canción comienza delicadamente con su voz y un piano y algo de percusión de acompañamiento mientras va desgranando las primeras estrofas. Progesivamente se van añadiendo más instrumentos mientras ella a su vez también intensificando su voz. Con la entrada de unas violines la canción entra en su fase más intensa para posteriormente volver durante una estrofa al piano y la voz y finalmente desembocar en una "locura" instrumental que lleva la canción hacia el fin. Nunca me cansaré de escucharla.


Like anyone would be
I am flattered by your fascination with me
Like any hot-blooded woman
I have simply wanted an object to crave

But you, you're not allowed
You're uninvited
An unfortunate slight

Must be strangely exciting
To watch the stoic squirm
Must be somewhat heartening 
To watch shepard meet shepard

But you you're not allowed
You're uninvited
An unfortunate slight

Like any uncharted territory
I must seem greatly intriguing
You speak of my love like
You have experienced love like mine before
But this is not allowed
You're uninvited
An unfortunate slight

I don't think you unworthy
I need a moment to deliberate.



viernes, 2 de noviembre de 2012

Día 21 - Chaconne (The Red Violin Concerto) por John Corigliano

El violín rojo es una película del año 1998 dirigida por François Girard. La trama sigue al violín que da nombre al título desde su creación hasta la actualidad. Un trayecto de tres siglos que supuso todo un reto para su atípico compositor, el norteamericano John Corigliano. Atípico porque Corigliano es un compositor que ha desarrollado la práctica totalidad de su carrera artística en obras para salas de concierto, de hecho ha compuesto varios conciertos para instrumento solista, sinfonías e incluso óperas. De hecho, su banda sonora de El violín rojo supuso su tercera banda sonora y última estrenada hasta la fecha (compuso una posterior para la película Al límite, protagonizada por Mel Gibson, que fue finalmente rechazada por el director de la película).

La música escrita para la película de Girard supuso un reto porque el compositor debía componer música que imitara a la escrita en las diferentes épocas en las que transcurre la película en una trama que abarca desde el siglo XVII hasta el siglo XX y que empieza en Cremona y finaliza en Nueva York, pasando por Pekín. Otra dificultad añadida, aunque ésta relativa, es que tenía que componer dos tipos de música incidental(aquella que el espectador escucha pero no los protagonistas) y diegética (aquélla que forma parte de la propia trama, ya suene por una radio o esté interpretada en pantalla), siendo la primera escrita con posterioridad al rodaje y le segunda con anterioridad, pues los actores o músicos en pantalla debían simular que la interpretaban.

Corigliano puso como condición para su participación en el filme que se le permitiera componer y grabar y, por lo tanto editar junto a la banda sonora de la película, una chacona que pasaría a formar parte de su repertorio para salas de concierto. Y esa pieza es la que os presento.

Una chacona es una pieza musical muy popular en el barroco y de origen español. Usando como melodía principal el tema de Anna de la propia película, Corigliano desarrolla durante catorce minutos una serie de variaciones de entorno al mismo tema con una sonoridad muy contemporánea y que se mueve entre lo íntimo  y lo épico con el violín como instrumento solista, al que acompaña la orquesta. Es una música compleja, no apta para todos los paladares, pero que creo de gran calidad.

El propio Corigliano con el fin de que la pieza fuera más fácil de programar en conciertos, le añadió tres movimientos más y acabó siendo su primer concierto para violín y orquesta, llamado The Red Violin Concerto, que también os recomiendo encarecidamente. La chacona se convierte en el primer movimiento del concerto y, de los otros tres, sólo el última guarda relación directa con la música de la película al emplear el compositor otro de los temas de su banda sonora.

La grabación que os presento corresponde a al premiere mundial del concierto con Joshua Bell como violín solista acompañado por la orquesta sinfónica de Baltimore bajo la batuta de Marin Alsop. También hay disponible otra grabación, ésta muy económica, editada por el sello Naxos y que también os recomiendo.

PD: Usaré de ahora en adelante la etiqueta Música clásica para toda aquella obra que a nivel popular entenderíamos como música clásica es decir, compuesta para orquesta y sala de conciertos, aunque estrictamente no pueda catalogarse como tal.


jueves, 1 de noviembre de 2012

Día 20 - The gravel road (The village) por James Newton Howard

A veces hay películas a las que vuelves aunque no te gustaran en un primer visionado. El bosque de M. Night Shyamalan es una de ellas,si bien es cierto que la primera vez no cuenta demasiado pues la vi durante mi estancia en Alemania y, por supuesto, doblada al alemán. Esta película marca el punto de inflexión en su meteórica carrera tras los éxitos consecutivos de El sexto sentido, El protegido y Señales. Aunque, la verdad, no sería justo calificarla de fracaso pues funcionó muy bien en taquilla, pero su recepción crítica no fue comparable a la de sus anteriores trabajos y la opinión del público aún fue peor. Vuelta a ver la película tiene una gran atmósfera y puesta en escena, buenas interpretaciones pero dañada por su final y, sobre todo, por un tráiler que prometía un film de terror puro y duro que no tenía nada que ver con el resultado final de la película.

En un apartado en el que la película supone un triunfo absoluto es en la música compuesta por James Newton Howard, colaborador del director hindú desde El sexto sentido y que comenzó su carrera como arreglista de Elton John y Barbra Streisand. La música compuesta para El bosque resulta misteriosa y afligida a la par que delicada e íntima. Una partitura bellísima que se ve beneficiada por la gran interpretación del violín solista a cargo de la estrella de la música clásica Hillary Hahn.

Aquí os dejo el tema The gravel road, pero si tenéis tiempo, escuchad el disco completo, no os arrepentiréis.